martes, 10 de abril de 2012

Jhon Berguer


John Berger es hijo de un converso al cristianismo y a quien el servicio como oficial de la infantería en el ejército británico durante la Segunda Guerra Mundial le quitó las ganas de ser sacerdote, pero no la fe. De su padre, dice el propio Berger, heredó el talento para la pintura y cierta moral de soldado que siempre ha intentado imitar. “Al contrario de lo que me ocurre con muchos políticos actuales, a quienes me resulta imposible respetar, yo respeto a los soldados, porque ellos son conscientes de las consecuencias de lo que hacen”, declaró a EPS. 
A los 16 años se escapó del St. Edward’s School de Oxford decidido a estudiar arte “y ver mujeres desnudas” . Obtuvo una beca para estudiar en la «Central School of Art» de Londres, aunque pocos años después se enrolaría en el ejército británico, donde sirvió entre 1944-1946. Finalizada la guerra, retoma sus estudios en la «Chelsea School of Art» con otra beca, esta vez concedida por el propio ejército. Entre 1948 y 1955 impartió clases de dibujo en la misma escuela donde Henry Moore impartía clases de escultura. Durante ese periodo traba vínculos con el partido comunista británico y no tardará en empezar a publicar artículos en el Tribune, donde escribiría bajo la estricta supervisión de George Orwell. En 1951 comenzó un periodo de colaboración con la revista New Stateman, colaboración que se prolongaría hasta diez años y en la que se revela como crítico de arte marxista y defensor del realismo. En 1960 se publica Permanent Red, volumen que recogerá una selección de los artículos publicados en New Stateman.
A los treinta años decidió dejar de pintar para dedicarse completamente a la escritura, no porque, según sus palabras, dudara de su talento como pintor, sino porque la urgencia de la situación política en la que vivía (plena guerra fría) parecía requerir de él que se pusiera a escribir. En 1958 publicó su primera novela, Un pintor de nuestro tiempo. En ella se relata la vida de un pintor húngaro exiliado en Londres. El evidente compromiso político de la novela y el realismo con el que se narraba —siempre en primera persona—, hizo pensar a muchos que se trataba de un diario íntimo y no de ficción. El libro estuvo a la venta durante un mes, al cabo del cual la editorial, Secker&Worburg, retiró la novela de las librerías. Más tarde se ha sabido que dicha retirada se llevó a cabo bajo presión del Congress for Cultural Freedom, una asociación de abogados anticomunistas.
Pero Berger siguió escribiendo, novela, ensayo, artículos en prensa, poesía, guiones de cine —junto a Alain Tanner— e incluso obras de teatro, y entre tanto decidió emigrar voluntariamente a un pueblo de los Alpes franceses. Se ha publicado muchas veces que lo que provocó aquel auto-exilio fue la vocación de ser un “escritor europeo”, aunque más tarde Berger ha confesado no haber conseguido sentirse en casa en el Londres de aquella época, una ciudad en la que no parecía encajar.
En 1972 la BBC emite una serie de televisión que fue acompañada por la publicación del texto Modos de ver, que marcó a toda una generación de críticos de arte, se ha convertido en libro de texto en las escuelas británicas y que tomaba prestadas muchas ideas de La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica, el artículo de Walter Benjamin de 1936. Y ese mismo año, Berger, gana inesperadamente el prestigioso Booker Prize por su novela G., levantando especial revuelo su decisión de donar la mitad del monto del premio al Partido Pantera Negra británico.
A lo largo de los años ochenta va publicando escalonadamente la excepcional trilogía De sus fatigas, en la que estuvo trabajando durante quince años y en la que aborda el cambio que estamos experimentando con el paso de la vida rural a la urbana. En Puerca tierra nos anuncia una investigación en un modo de vida que tardará menos de un siglo en desaparecer, la vida campesina. En Una vez en Europa relata los amores que origina una vida así y, finalmente, en Lila y Flag acompañamos a la siguiente generación a una existencia en la gran ciudad cosmopolita. Pero la investigación se extiende hacia la formal y al leer somos testigos de la búsqueda de una voz con la que relatar este excepcional acontecimiento de la humanidad.





Fuentes: 
http://es.wikipedia.org/wiki/John_Berger

Agust Sander



August Sander, nace en una zona minera cerca de Colonia (Alemania) en 1876.
Su padre es carpintero en la mina y él siendo muy joven comienza a trabajar también en la mina.Un día le eligen, por azar, para que acompañe como guía a un fotógrafo que realiza fotografías del paisaje minero. El fotógrafo le permite observar el mundo a través del objetivo de su cámara.A partir de ese momento decide que quiere estudiar fotografía.


Después de la Primera Guerra Mundial, su actividad profesional se orienta a la toma de fotografías para el carnet de identidad.
Se interesa por el arte moderno y adquiere consciencia de lo que representa el proyecto iniciado en Westerwald.A partir de ese momento amplía su visión, retratando personas de todas las clases sociales y ocupaciones. Alemania entera va pasando por delante de su objetivo.Su planteamiento es retratar a cada individuo como tal, al tiempo que lo sitúa dentro de la sociedad de su tiempo.Sander no indica nunca el nombre de la persona fotografiada, pero sí señala su oficio.Con esta forma de trabajar da un carácter universal a su obra.


Terminada la Segunda Guerra Mundial, emprende la labor de reconstruir su archivo.
Produciéndose el reconocimiento tanto nacional como internacional de su trabajo.Muere en 1964.




Fuentes: 
http://intrinsecoyespectorante.blogspot.mx/2011/10/la-primavera-de-praga-por-josef.html

Larry Clark



Larry Clark (nacido el 19 de enero de 1943 en Tulsa, Oklahoma) es un fotógrafo y director de cine estadounidense. Comenzó trabajando con fotografías en blanco y negro. Después de salir de la escuela, estuvo dos años en Vietnam.
Después de publicar algunos libros de fotografía, incluidos Tulsa y Teenage Lust, conoció a un joven escritor llamado Harmony Korine enNueva York. Juntos trabajaron en el libreto de la película Kids, su polémica ópera prima.
Los temas más tratados en sus películas y fotos son la violencia juvenil, el skateboarding, las drogas y el sexo casual. En diversas entrevistas, Clark ha declarado que estos tópicos fueron vividos por él mismo en su juventud. Sus películas son hechas de forma directa, con una fotografía cruda y simple, de un tono realista. 








J.Koudelka

Josef Koudelka nace el diez de enero de 1938 en la región de Moravia, entonces Checoslovaquia. Se interesa por la fotografía a los catorce años gracias a un tal Sr. Dycka, fotógrafo aficionado y amigo de su padre. Sus primeras fotografías son de su entorno familiar y para realizarlas se vale de una cámara réflex 6 x 6 de doble lente. En 1956 se traslada a Praga para comenzar la carrera de ingeniería aeronáutica. Durante los años de estudios conoce al fotógrafo Jiri Jenicek, quien le anima a reunir una serie de fotografía para realizar su primera exposición, que tuvo lugar  en el Teatro Semafor de Praga. Durante la inauguración conoce a Anna Fárová, amiga y colaboradora a lo largo de toda su vida.
En 1965 es invitado por el director del Divadlo za branou (Teatro tras el puente) a fotografiar espectáculos teatrales..
En 1967 decide abandonar su trabajo como ingeniero para dedicarse exclusivamente a la fotografía. En ese momento se inscribe en la Unión de Artistas Checoslovacos y recibe el premio anual de la asociación por "la originalidad y calidad de sus fotografías de teatro".
En 1970 abandona Checoslovaquia con un visado de tres meses para continuar fotografiando gitanos, en esta ocasión, en el oeste de Europa. Al caducar el visado decide no regresar a su país, convirtiéndose desde ese momento en apátrida. Hasta 1980, gracias al asilo político de Inglaterra, fija su residencia en Londres y se dedica a recorrer diversos países europeos fotografiando celebraciones populares, escenas cotidianas y gitanos.
El Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York (MoMA) rinde homenaje al fotógrafo organizando una exposición individual con el título de Josef Koudelka. Y en ese mismo año, 1975, Robert Delpire publica en París el libro Gitans: la Fin du Voyage (Gitanos: el final del viaje), que recibirá el Premio Nadar tres años más tarde.
En 1980 abandona Inglaterra para instalarse en Francia, pero hasta el año 1987 no se naturaliza francés.
Hasta hoy en día, Josef Koudelka ha recibido prestigiosos galardones en reconocimiento a su labor, como el Premio Cartier-Bresson, la Medalla de la Royal Photographic Society o el Premio de la Hasselblad Foundation Photography y ha sido nombrado Caballero de las Artes y las Letras por el Ministerio de Cultura Francés.
Les dejo un videito para que no se aburran tanto y vean sus fotos :) 
Fuentes: 
http://boek861.blog.com.es/2009/03/29/josef-koudelka-5856160/

Uta Barth



(Alemania - 1958 ) 

Vive y trabaja en Los Angeles.

 Uta Barth es una artista que ha llevado la fotografía hasta la prominente posición ocupada con anterioridad por la pintura. Sus fotografías de interiores, urbanas y de naturaleza, capturan los momentos especiales del entorno y la belleza de la luz cotidiana, del espacio, de las texturas y de las superficies luminosas. Trabaja en series, a través de las cuales investiga los detalles de lo que nos rodea.







Fuentes:
http://losmariscosnosonanimales.blogspot.mx/2009/07/alemania-1958-vive-y-trabaja-en-los.html

Thomas Ruff




Nació en 1958, Zell am Harmersbach, Alemania. Vive y trabaja en Düsseldorf): En 1977 asiste al curso de fotografía dictado por Bernd Becher, donde se interesa por la fotografía documental. Realiza decenas de retratos, primero en pequeño formato, y en dimensiones más grandes a partir de 1986. Hacia fines de los años ochenta representa edificios anónimos de la Alemania posbélica. En 1993 trabaja sobre fotos obtenidas por medio de un procedimiento utilizado por la policía para hacer identikits, y retoca a mano una serie de pequeños retratos extraídos de textos de medicina. En 2001 comienza a enseñar en la Academia de Düsseldorf.
Ha expuesto en el Stedelijk Museum de Ámsterdam en 1989, en el Centre National de la Photographie de París en 1997 y en el Chabot Museum de Rotterdam en 2001. En 2002 se organiza la primera retrospectiva importante de su trabajo en la Kunsthalle de Baden Baden, muestra itinerante en diversos países de Europa, entre los cuales pueden mencionarse la Tate de Liverpool en 2003 y el Museo de Arte Contemporánea Serralves, Oporto, en 2003. En 2006 tiene lugar una retrospectiva en la Fondazione Bevilacqua La Masa, Venecia. The Grammar of Photography. En el mismo año recibe el premio Infinity Award del International Center of Photography de Nueva York. En 2007 es invitado a organizar sus obras en diálogo con la colección Sprengel Museum de Hannover. Este año se inauguró una destacada muestra individual en el Castello di Rivoli, Turín.


En 2003 produce las primeras imágenes de la serie nudes(desnudos), que con el tiempo se han convertido en unas de las mejor valoradas de toda su producción. Para crearlas, el fotógrafo utiliza fotografías procedentes de páginas web de pornografía que amplía –mediante un proceso digital– hasta que se vuelven casi irreconocibles. Al final de todo este camino muestran un aspecto richteriano, como si estuviéramos viendo un paisaje a través de la ventanilla de un tren que se desplaza a gran velocidad.
Desde finales de los años ochenta, cuando dio a conocer su serie de retratos de gran tamaño –algo más de dos metros–, Thomas Ruff goza de una enorme aceptación institucional –es una presencia fija en las colecciones de los grandes templos del arte contemporáneo de nuestros días– y también en el mercado, donde algunas de sus copias han superado los 120.000 dólares. De hecho, la casa de subastas Philips de Pury apunta –consultando su página web– que el mejor remate de una fotografía de la serie de desnudos en su sala fue de 169.000 dólares, y se fijó por la obra nudes br16, 2004. Hablamos del 16 de mayo de 2008.


Fuentes: 
http://blogs.elpais.com/con-arte-y-sonante/2012/03/la-cotizada-pornografia-de-thomas-ruff.html



Jeff Wall




Fotógrafo canadiense nacido en Vancouver  en el año 1946, ciudad en la que reside y trabaja, resultando ser una figura clave en la escena artística de su ciudad durante años. Premiado en el año 2002 con el prestigioso Premio Hasselblad.

Su obra ha ayudado a definir el llamado fotoconceptualismo. Sus fotografías son a menudo cuidadosamente planificadas como una escena en una película, con pleno control de todos los detalles. Sus composiciones se encuentran siempre bien pensadas, o prestadas, a partir de clásicos pintores como Édouard Manet. Muchas de sus imágenes son grandes (normalmente 2X2 metros) transparencias colocadas en cajas de luz; según el fotógrafo esta idea le vino durante un viaje en autobús entre España y Londres tras ver un gran anuncio publicitario montado sobre una caja de luz en una parada de autobús. Los temas tratados en sus fotografías son sociales y políticos, tales como la violencia urbana, el racismo, la pobreza, así como los conflictos de género y de clase.

Su trabajo






Fuentes:
http://ximepazgon.blogspot.mx/2011/04/jeff-wall.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Jeff_Wall