Vida de fotógrafos.

 Henry Cartier Bresson.

"La fotografía en si no me interesa. Solo quiero capturar una ínfima parte de la realidad."
Henry Cartier-Bresson

De origen Frances, es conocido como el fotógrafo del instante decisivo, obtuvo su primera cámara 

Calle Mouffetard (1954)

• Leica en 1932 con un formato de 15mm . 
• Su técnica nunca recorto negativos.
• Fotógrafo purista. 
• Bloquea (pinta) su cámara para pasar inadvertido.
• Se siente atraído por imágenes sobre el deporte.
• Funda la escuela Agencia Magnum junto con Robert cata.

Murió en el 2004, a los 95 años de edad. Al final, la pintura fue su último amor. Siempre aclaró que el placer de fotografiar y pintar era el mismo, solo que en la fotografía entraba la acción inmediata, mientras que en la pintura encontraba meditación. De todas formas, su legado fotográfico es indudable.

El beso

Fuentes:

http://www.foto3.es/web/historia/biografias/cartier.htm

Graciela Iturbide.

 

© Graciela Iturbide, 2009Alumna con clara influencia de Manuel Alvarez Bravo, Graciela Iturbide nos retrata a través de su fotografía un estilo menos instantáneo que Cartier Bresson. Es una de las fotógrafas más importantes en America Latina, y la mejor en México. Las imágenes de Graciela Iturbide se reciben en silencio. Su mirada calma nos revela un profundo acercamiento a sí misma y a los otros. Sus fotografías nos conmueven porque son honestas, melancólicas y silenciosas. Una cosa tiene en claro Graciela Iturbide: “En el mundo hay fotógrafos que roban las imágenes, sin jamás establecer un contacto. Hay que dar para recibir. No se puede andar por ahí tomando imágenes sin retribuirlas de alguna manera”.

Nuestra señora de las iguanas.

Una de las fotografías que se expone por primera vez en México es Muerte en el cementerio, 1978. Con ella finaliza una larga obsesión que la fotógrafa entabló con la muerte. Durante una visita a un cementerio de Hidalgo seguía el cortejo fúnebre de una pequeñita para fotografiarlo, cuando los corredores del cementerio le descubrieron la figura de un hombre tendido en el piso. Su cuerpo, picoteado salvaje mente por los pájaros dejaba asomar todo el cráneo, mientras el cuerpo conservaba todavía la vestimenta y el calzado. ¿Existe mayor acercamiento a lo otro que aquel de la muerte saliendo al paso en su registro más crudo que es la figura del cadáver? Este negativo fue impreso muchos años después de haber sido tomado

Ha recibido varios reconocimientos entre los que destacan el premio Eugene Smith, que le fue otorgando en 1968, su reportaje Médicos sin fronteras, y en 1988 es galardonada con el gran premio del mes de la fotografía en París. De igual forma, fue miembro del Consejo Mexicano de Fotografía, gracias a su trabajo titulado Recuerdo de la infancia.

Aquí dejo una muestra del gran trabajo realizado. :)

Todas la anteriores propiedad de Gabriela iturbide.

Francisco Mata Rosas.

Uno de los fotógrafos mexicanos más reconocidos a nivel internacional,destacando su mirada sobre sitios y temas cotidianos de la ciudad de México.

Nació en la ciudad de México, 1958, donde radica desde entonces. Obtuvo la licenciatura en ciencias de la comunicación de la Universidad Autónoma Metropolitana, campus Xochimilco. Se desempeñó como foto reportero para el periódico de Jornada durante seis años.

"Misterios"

Sus trabajos fotográficos se han publicado en algunos de los periódicos y revistas principales de los Estados Unidos, España, Canadá, Italia, Inglaterra, y México. Recientemente ha tenido exposiciones en México, Holanda, Alemania, Italia, España, Francia, Inglaterra, los Estados Unidos, Escocia, Japón, la Argentina, Brasil, Panamá, Uruguay, Ecuador, Perú, Honduras, Cuba y Costa Rica, por mencionar solo algunos.

 

Mata Rosas ha obtenido, entre otros, los siguientes reconocimientos:

- Premio de adquisición de la Bienal de fotografía mexicana, 1988
- Mención honorífica en el concurso del bicentenario de la revolución francesa 1989 Beca para jóvenes creadores del fondo nacional para la cultura y las artes (FONCA), 1989
- Tecera Mother Jones Anual EE.UU. 1993
- Beca de coinversión del FONCA , 1994
- Primer premio internacional del Internet en Japón, 1997
- Premio promocional del FONCA, 1999

Ha sido miembro del sistema nacional de creadores desde 2000. En el campo editorial, sus fotos han sido publicadas en más de veinte libros y él es el autor de Sábado de Gloria, 1994, América Profunda, 1999, Litorales, 2000. También ha participado como conferencista en la mayoría de los eventos fotográficos en México, ha sido un juez de varias competencias nacionales e internacionales, y ha dado pláticas y cursos en los últimos diez años en varias universidades y los centros culturales en el país y el exterior.

"Palabra de Dios"
1996
Iztapalapa,
Ciudad de México.

Otros trabajos! 

Todas las imágenes pasadas propiedad de Francisco Mata Rosas.

Fuentes: http://www.fundacionpedromeyer.com/china/fmata/indexsp.html  

Manuel Álvarez Bravo. 

Pionero de la fotografía artística en México, es considerado como el mayor representante de la fotografía latinoamericana del siglo XX. Su obra se extiende de finales de la década de 1920 a la de los noventas. 

Nace en el centro de la capital mexicana el 4 de febrero de 1902. Interrumpe sus estudios a los doce años al fallecer su padre y comienza a trabajar para ayudar en la economía familiar, en una fábrica textil y posteríormente en la Tesorería General de la Nación.

Su abuelo, pintor, y su padre, maestro, eran aficionados a la fotografía. El descubrimiento temprano de las posibilidades de la cámara le hará explorar en autodidacta todos los procedimientos fotográficos, así como las técnicas de la gráfica.

Álvarez Bravo es una figura emblemática del periodo posterior a la Revolución mexicana conocido como renacimiento mexicano. Fue aquel un periodo cuya riqueza se debe a la feliz, aunque no siempre serena, coexistencia de un afán de modernización y de la búsqueda de una identidad con raíces propias en que la arqueología, la historia y la etnología desempeñaron un papel relevante, de modo paralelo a las artes. Álvarez Bravo encarna ambas tendencias en el terreno de las artes plásticas.

En 1930 se inicia en la fotografía documental: Tina Modotti, al ser deportada de México, le deja su trabajo en la revista Mexican Folkways. Así trabaja para los pintores muralistas: Diego Rivera, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros.

En vida, presentó más de 150 exposiciones individuales y participó en más de 200 exposiciones colectivas. Según numerosos críticos, la obra de este “poeta de la lente” expresa la esencia de México, pero la mirada humanista que refleja su obra, las referencias estéticas, literarias y musicales que contiene, lo confieren también una dimensión universal.

De 1943 a 1959 trabaja en el cine realizando fotografías fijas, lo que lo lleva a producir algunos experimentos personales.

Falleció el 19 de octubre de 2002, a los cien años.

Más sobre su trabajo :D 

Todas las fotos anteriores son propiedad de Manuel Álvarez Bravo.

Fuentes: http://www.manuelalvarezbravo.org/espagnol/Biografia.php

http://www.dfinitivo.com/archivos/2008/06/24/los-ninos-de-manuel-alvarez-bravo-en-plaza-juarez/

En conclusión es importante resaltar que no solo es necesario apretar un botón, se necesita sentir y amar cada instante, apreciar cada momento y no verlo como uno más de todos los que la vida nos regala. 

Realamte espero que al igual que yo queden enamorados de estos grandes trabajos y apreciemos el arte. 

Partes de la cámara.

Casi siempre creemos que para que una cámara funcione solo necesita un lente un flash y botón para disparar, pero no es así la cámara esta compuesta por otros elementos que son muuuuyyyy importantes y estos son los siguientes: 

•  Cuerpo. 
•  obturador.
•  disparador.
•  visor. 
•  objetivo. 

Pero ¿para que utilizamos cada uno de estos elementos? 

Cuerpo de la cámara: Es el soporte de los elementos y las funciones; ahí está montado todo.

Objetivo:Es la lente o el conjunto de lentes que dirige la luz hacia el sensor para conseguir la información de la escena que observamos. Ésta nos ayuda a contralar la luz entrante y el enfoque de la imagen o parte de ella. Está colocada al frente, en la abertura de nuestra cámara.

El diafragma: Se encuentra situado dentro del objetivo, y es un conjunto de aspas que conforman el orificio por donde entra la luz, las cuales se cierran o abren para dejar entrar mayor o menor cantidad de luz. Cuanto más pequeño es el orificio más profundidad de campo obtenemos, es decir, enfocamos más partes de la escena y obtenemos más nitidez.Los valores del diafragma se representan con el número f, y debemos tener en cuenta que un número f 2,8 se refiere a un diafragma más abierto que un f 16. 

El obturador:Es el elemento de nuestra cámara que juega con la velocidad de la exposición. En otras palabras, controla el tiempo que dura la apertura del diafragma. Cuanto más dure abierto, más luz entrara en nuestra película. La velocidad del obturador sirve para poder congelar el movimiento y se mide en fracciones de segundo. Las medidas más normales son 1/30, 1/60, 1/125, 1/250 y 1/500

Para abrir el obturador y contar con la entrada de luz, es necesario presionar un botón conocido como disparador. También se le puede acoplar un cable para la misma finalidad.

Visor: Es la parte de la cámara que nos permite ver la escena que vamos a fotografiar. Según el tipo de cámara puede ser diferente. Si hablamos de una réflex, el visor es una ventanita pequeña por la que gracias a una serie de lentes y espejos colocados estratégicamente podemos ver la escena tal y como la captará nuestro sensor a través del objetivo.

Sensor: Es el panel donde termina toda la luz que recoge nuestro objetivo. Está formado por pixeles sensibles a la luz que son importantes para conocer tanto la resolución como la calidad de una fotografía. Hay de distintos tipos (CCD, CMOS, Foveon) y formatos (cuatro tercios, formato medio).

Aquí les muestro una imagen donde como se ve nuestra cámara por dentro :) interesante no? 

Fuentes:http://www.xatakafoto.com/curso-de-fotografia/curso-de-fotografia-ii-partes-importantes-de-la-camara

¿Foto sin cámara? Claro que se puede hacer! :D

Estamos tan acostumbrados al mundo de hoy que nunca nos acordamos de los procesos que utilizaron nuestros antepasados para conocer lo que hoy en día para nosotros es una fotografía. 

Hace un par de días tuve la gran oportunidad de crear mi primer foto sin utilizar la cámara al principio creí que sería complicado pero al contrario esto es más sencillo de lo que se pueden imaginar, lo único que necesitas es lo siguiente : 

• Una hoja de acetato.
• Papel fotográfico 8x10.
• Plumón de aceite negro y si prefieres tinta china. 
• Actitud y Creatividad. 

Ya que tienes todo lo anterior el proceso es bastante sencillo

Imagen con la herramienta de alto contraste en photoshop.

• Escoge una imagen que sea de tu agrado de preferencia que sea en blanco y negro. 

• Empezar a copiar la imagen en el acetato teniendo en cuenta que lo que dejes en blanco al momento del revelado se hara negro y lo que pintes de negro se hara blanco. (De preferencia y para que no te confundas puedes utilizar la herramienta de alto contraste en photoshop, ahí sabras que va de negro y que de negro.) 

Imagen plasmada en el acetato= ESTÉNCIL 

• Lo siguiente es entrar en el cuarto obscuro, ya que si al papel fotográfico le da una cantidad mínima de luz este se velara y no nos servirá de nada. 
• Colocar el papel fotográfico en la maquina de luz con la parte brillosa para con nosotros y poner encima el esténcil después damos un tiempo de entre 10 segundos a la maquina y dejamos que la imagen se pase al papel con la luz de color roja que se encuentra en el aparato. 
• Después de esto tenemos una imagen en el papel fotográfico aunque no la podamos ver a esto le damos el nombre de imagen latente. 

ahora si nuestra foto nace... 

Primero ponemos el papel fotográfico en los químicos correspondientes: 

• Revelador = 1 minuto.
• Agua = !/2 minuto. 
• Fijador = 4 minutos.
• Agua = 5 minutos. 

* NO MEZCLAR NI TOCAR LOS QUIMICOS SON ALTAMENTE TÓXICOS.

Después de eso sacudimos un poco la imagen y la colgamos para que escurra bien.

Y así es como queda nuestra fotografía sin necesidad de una cámara :)! 

Fotograma terminado By: Aremy Avila Flores. 

La luz materia prima de la fotografía.

La palabra fotografía viene de los vocablos

Photo=Luz 

Graphos=Escritura. 

que quiere decir escribir con fotografía.

Como ya sabemos la fotografía siempre se obtiene por la luz, ya que esta es energía que se emite por ondas que viaja a velocidades distintas a partir de una fuente como el sol, una bombilla etc.

El comportamiento de la luz varia en función del material sobre el que incide: 

• Cuerpos opacos: (madera/metal) la blanquean ya que estos absorben la mayoría de sus rayos 70% absorbe y 30 % rebota. 

• Cuerpos transparentes: (Cristal/agua) Se dejan atravesar. 

• Superficies texturizadas: las dispersan en todas las direcciones y la luz que refleja es difusa. 

• Superficies púlidas: (vidrio/ metal) reflejan la luz sin dispersarla y forman imagenes espectaculares. 

La luz es fuente de todos los colores y la luz blanca es la combinación de los tres colores primarios. 

AZUL  ROJO VERDE 

Los materias transparentes trasmiten de la misma manera todas las longitudes a menos que esten coloreadas por ejemplo los vidrios de los lentes. 


La luz también determina la percepción de la forma y el volumen de los objetos.

¡Tipos de lentes!

Existen dos tipos de lentes que se utilizan en la creación de los objetivos de la cámara: 

• Convergentes: Estos son los que unen un solo punto de luz.
• Divergentes: Estos son los que abren la luz.

Etapas de la fotografía. 

1. Formación de la imagen.
2. Fijación.

Con esto debemos tomar en cuenta que si nuestro registro no se imprime, no es considerada una fotografía. 

Todo empezó por una luz...

Aristóteles, filósofo griego que vivió en Atenas entre 384 y 322 a. C, afirmaba que si se practicaba un pequeño orificio sobre la pared de una habitación oscura, un haz luminoso dibujaría sobre la pared opuesta la imagen invertida del exterior.

Todo comienza con dos experiencias muy antiguas. La primera es el descubrimiento de que algunas sustancias son sensibles a la luz. La segunda fue el descubrimiento de la cámara oscura.

Alhacén propuso un modelo de luz y de visión que superó bastantes de las dificultades que habían planteado los modelos de la antigüedad. Fue el primero en dar una interpretación clara del funcionamiento de la cámara oscura y planteó un modelo de visión según el cual ésta consistía en la formación de una imagen óptica en el interior del ojo que funcionaba de forma semejante a su modelo de cámara oscura. 

En el siglo S. XVI Se agregan lentes. "Cámara lucida" (consiste en imágenes calcadas) 

En el S. XIX – Nacimiento de la fotografía gracias al físico francés Joseph Nicephore Niepce, utilizó una cámara oscura modificada e impresionó en 1827 con la vista del patio de su casa plasmando la primera fotografía permanente de la Historia.

 A este procedimiento le llamó heliografía. Sin embargo, no consiguió un método para invertir las imágenes y prefirió comenzar a investigar un sistema con que obtener positivos directos. También se dio cuenta del problema de las larguísimas exposiciones.

cabe mencionara algo muy importarte, la duración de la primera fotografía fue de 8hrs.

Fotografía fijada por Josep Nicéphore Nièpce

 

• Jacques Mandè Daguerre: Es conocido como el "Padre de la fotografía" A base de estudios previos de Niepce, en 1835 publicó sus primeros resultados del proceso que llamó DAGUERROTIPO, consistente en láminas de cobre plateadas y tratadas con vapores de Yodo. Redujo los tiempos de exposición a 15 o 30 minutos, consiguiendo una imagen apenas visible, que posteriormente revelaba en vapores calientes de mercurio y fijaba lavando con agua caliente con sal, aunque el verdadero fijado no lo consiguió hasta dos años más tarde. Algunos de los daguerrotipos que produjo se conservan aún en la actualidad.

Fotografía de daguerrotipo

William Henry Fox Talbot:Inventó el primer negativo en 1840, conocido como calotipo. Es un negativo de papel copiado sobre otra hoja, por contacto realiza el positivado. El papel era humedecido en una solución ácida de nitrato de plata, previo a la exposición y luego de ella, y nuevamente antes de ser fijada. Esto resultó un gran avance para la fotografía, ya que permitía hacer varias copias de un negativo. El tiempo de exposición era mucho menor, apenas de 1-7 

minutos.

Calotipo (1840)

 George Eastman:

Años más tarde  fue el fundador de la Eastman Kodak Company que obtuvo ese nombre gracias a su gran imaginación y sentido del oído hizo una suposición de que al momento de disparar la cámara hacia "kodak" y por otra parte es un nombre que cualquier persona puede pronunciar sea con el idioma que sea.Utilizando el lema"Usted aprieta el botón, nosotros hacemos el resto" puso la fotografía al alcance de millones de personas. A partir de aquí el desarrollo de la fotografía fue fulgurante: aparecían las películas en color y las primeras diapositivas Kodachrome. El lanzamiento del carrete de papel fue el gran aporte de Eastman, pues permitió sustituir a las placas de cristal.

Aquí adjunto un video para que se den una mejor idea.

Fuentes:

http://www.difo.uah.es/curso/historia_de_la_fotografia.html