ERWIN WURM

Erwin Wurm es un escultor y fotógrafo austríaco nacido en Bruck an der Mur en 1954 que vive y trabaja en Viena. Formado en la Academia de Artes Aplicadas de Viena y en la Academia de Bellas Artes de Viena entre los años 1979 y 1982.

En su obra aparecen tanto el propio artista, como otras personas que colaboran con él, en absurdas poses esculturales, en la mayoría de los casos con el empleo de objetos cotidianos. Sus imágenes no son otra cosa que la documentación de una performance. Con este proceder trata de revisar constantemente el concepto de escultura en dos aspectos: de un lado, reubicando los objetos para humanizarlos y, de otro, objetualizando el cuerpo humano.

JILL GREENBERG

Jill Greenberg es una fotógrafa canadiense (nacida en 1967 en Montreal, Quebec, creció en un suburbio de Detroit y vive desde entonces en los Estados Unidos) mundialmente reconocida por sus característicos estilos de iluminación y de post-proceso digital.

• Desde los 10 años ha fotografiado y creado personajes usando todos los medios a su alcance, dibujando, pintando, filmando, haciendo esculturas y fotografiando.
• En 1989 se graduó con honores en la Rhode Island School of Design con un BFA en fotografía.
• Después se trasladó a Nueva York para proseguir con su carrera fotográfica.
• En 2000 se fue a Los Ángeles donde encontró a su marido Robert.
• Ha realizado trabajos para Philip Morris, Microsoft, Compaq, Polaroid, Dreamworks, Sony Pictures, Paramount Pictures, MGM, Disney, Fox, Coca Cola, Pepsi, Smirnoff, MTV, Warner Bros., Sony Music, y Atlantic Records.
• Sus fotos han aparecido en las portadas de Time Magazine, TV Guide, Newsweek, US News and World Report, Wired, Entertainment Weekly y muchas otras.
• También ha expuesto sus trabajos en galerías de Nueva York, Los Ángeles y Adelaida, Australia, así como en San Francisco, Chicago y otras ciudades.
• Sus series y fotografías más conocidas son:
• sus fotos de animales de estudio,
• niños llorando en la serie end times, haciendo referencia a la reelección de George Bush,
• el candidato a la presidencia John McCain.

Bernarno de niz

Fotógrafo independiente con sede en Beijing, China. Bernardo tiene un grado de especialización en los medios de comunicación y ha trabajado en una serie de proyectos de diferentes medios. 

Tiene un amplio conocimiento de la fotografía digital, la edición y difusión. Algunos de los clientes para los que ha trabajado en la fotografía comercial son: URREA, Omnilife, Nike de México, Granvita, publicidad ADLER, Arte y Parte, de la Universidad de Guadalajara.

En 2006, dirigió la fotografía de un documental de vídeo de longitud en África, en 

torno a los campamentos de refugiados del Sáhara Occidental.

En 2004, dirigió el equipo fotográfico para el Festival de Cine de Guadalajara  y en el 2004 y 2005 lideró el equipo fotográfico que cubren la Feria Internacional del Libro de Guadalajara, considerado el segundo más grande del mundo.

De 1997 a 2000, Bernardo trabajaba como fotógrafo de plantilla en un periódico nacional líder en México. 

Mariana Gruener

Cursó la maestría en el School of Visual Arts en N.Y., la licenciatura en periodismo en la Carlos Septién García y tomó talleres en el Centro de la Imagen. Ha expuesto en Nueva York, Toronto, Amsterdam, Hong Kong y México. Profesora en La Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado “Esmeralda”, en Centro diseño-cine-televisión, ha impartido talleres en varios centros culturales de México. Recibió las becas Jóvenes Creadores y Apoyo a Estudios en el Extranjero del FONCA. Trabajó en Nueva York para Yolanda Cuomo, Mary Lucier y Clarissa Sligh y en México para Pedro Meyer. Freelance desde 1997 para revistas, películas y empresas.

Ella dice lo siguiente ya que toma muchísimas fotos en quirófanos porque su papá es doctor.

El quirófano es como estar en el limbo, un espacio del hospital donde no hay dolor. Pues el sufrimiento se queda en la salas de espera, en las salas de recuperación y en los cuartos de hospital. El cuerpo intervenido, la armonía y la luz del quirófano generan belleza en vez de asquerosidad y repulsión, quise romper ese tabú. La vulnerabilidad del ser humano ante la vida es un tema que siempre me ha motivado a fotografiar. En esta ocasión quise documentar esa lucha constante por erradicar el dolor y el sufrimiento, plasmar ese momento en que la vida y la muerte se enfrentan, en un espacio donde el horror está en el hecho que nos obliga a llegar ahí y no en el quirófano como tal.

Dorothea Lange

Inició estudiando en la CLARENCE WHITE SCHOOL, de marcado carácter pictoralista y posteriormente abrió un estudio en San Francisco, su salida a la calle como reportera marcó definitivamente las que serían las señas de identidad de su trabajo.

Su obra más conocida se desarrolla en los años 30, años de la depresión.Una profunda crisis asola el país y miles de campesinos no tuvieron mas remedio que abandonar sus casas en busca de una tierra prometida.Al igual que Walker Evans, con quien comparte esa mirada concisa y digna, recorre el país trabajando para la Farm Security Administration documentando la precaria situación en la que viven los aparceros.Se convierte así en testigo de esta época, pero a diferencia de Evans, sus personajes ganan en humanidad. Se acerca a ellos de manera casi amorosa, insuflándoles un cierto halo de heroísmo.Su obra es testimonio de la imagen más trágica de América, testimonio por otro lado lleno de compromiso, convencida de que sus imágenes podían ayudar a cambiar las cosas.Su mirada huye de la sensiblería y de la dramatización, surge de un profundo sentimiento humano y de una conciencia social unida a una lucha incansable por la igualdad de la mujer.

David Corona

Estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Ha expuesto su pintura en la Academia de San Carlos y La Galería Luis Nishisawa, entre otros, y su fotografía en varias ciudades del país y en lugares como Montreal, Rennes y París. Fue seleccionado en el Festival Aella Foto-Latina à Paris, en WTC-ARTFEST 2006, en Fotoguanajuato-2005 y recibió las becas del Fondo Estatal del Edomex (1997) y de Jalisco (2004 y 2006) y el Apoyo a Proyectos Multimedia por CNA y la Universidad de Toronto. Ha publicado en revistas como Ene-O, Tragaluz, Tierra Adentro y Luvina y Picnic. 

La intervención es la expresión del mundo interior del autor que se funde con las historias que escuchó de los sitios fotografiados. Es así como se construye el Jardín secreto, idea de un espacio donde realmente te percibes como eres; algo oculto que sin embargo se muestra. 

Actualmente es el director del Museo Raúl Anguiana (Mural), el cual se encuentra en Guadalajara Jalisco.

José Luis Cuevas

José Luis Cuevas Ciudad de México, 1973. Cursó el posgrado en Visualización Creativa por la Universidad de la Comunicación y el Programa Integral Documento y Ficción del Centro de la Imagen. Recibió el Premio Internacional de Fotoperiodismo Ciudad de Gijón 2004. Ha tenido residencias artísticas en Orléans, Francia y en Bogotá, Colombia. Obtuvo la beca Jóvenes Creadores del FONCA 2007-08 y recientemente le fue otorgada la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte 2010 -13. La revista internacional Photo Icon lo incluye en su edición dedicada a “la Fotografía de Vanguardia en México” y el periódico El Universal lo incluye en una nota sobre los más destacados fotógrafos mexicanos en activo.

Leandro berra.

Argentino, nacido en 1956, artista plástico.

Es conocido por su particular método de trabajo, en el cual juega con la percepción de realidades, particularmente de personas, no sólo físicamente, más bien no tiene que ver con este aspecto sino con la personalidad y la esencia de las personas que retrata.

Su método consiste en pedirle a su modelo a fotografiar (o de un amigo conocido) que por medio de un software similar al que usa la policía para hacer retratos hablados, hagan una imagen de su rostro, con la condición de que sea de memoria y no puedan ayudarse de otros recursos visuales. Una vez terminado el retrato por computadora, Leandro toma una fotografía del sujeto, exponiendo su percepción y cómo es que ésta cambia según las personas, en contraste con la realidad.

Fuentes: http://galo-zepepda.blogspot.com/2011/11/leandro-berra.html

Sophie Calle

Sophie Calle es una artista francesa nacida en 1953. Se trata de una artista conceptual que después de viajar por buena parte del mundo regresó a Paris en 1979.

A finales de los años presenta su primera serie de fotografias, ella misma describio el proyecto Les dormeurs (Los durmientes) de la siguiente forma:

"Pedi a algunas personas que me proporcionaran algunas horas de sueño. Venir a dormir a mi lecho. Dejarse fotografiar. Responder a algunas preguntas. Propuse a cada uno una estancia de unas ocho horas, la de un sueño normal. Contacté por teléfono con 45 personas: desconocidos cuyos nombres me habían sido sugeridos por conocidos comunes, amigos y habitantes del barrio llamados para dormir de día, (...) Mi habitación tenía que constituir un espacio constantemente ocupado durante 8 días, sucediéndose los durmientes a intervalos regulares. (...) La ocupación de la cama comenzó el 1 de abril de 1979 a las 17 y finalizó el lunes 9 de abril de 1979 a las 10 , 28 durmientes se sucedieron. Algunos se cruzaron (...) Un juego de cama limpio estaba a su disposición (...) no se trataba de saber, de encuestar, sino de establecer un contacto neutro y distante. Yo tomaba fotos todas las horas. Observaba a mis invitados durmiendo".

De 1980 es su proyecto Suite Vénitienne (Suite veneciana), donde a partir de una fiesta celebrada en Venecia, se dedica a perseguir sutilmente a un invitado, con el fin de tomar parte de su intimidad. De ese mismo año también es su proyecto Detective, donde encarga a su madre que contrate a un detective para que le siga y realice un pormenorizado detalle de su vida diaria incluyendo un soporte gráfico, de esta forma posee la información recibida del detective y la información que ella había recogido en su diario personal, así las compara. La artista afirma:

A petición mía, durante el mes de abril de 1981, mi madre se acerca a la agencia <Duluc. Detectives privados>. Pide que me sigan y reclama una relación escrita de mi empleo del tiempo y una serie de fotografías prueba de mi existencia

En 1986 encontramos la serie Les aveugles (Los ciegos). En ella recoge los testimonios de varias personas ciegas de nacimiento conforme a lo que ellos creen que es la belleza. Cada una de las piezas (un total de 23) está integrada por una foto-retrato de la persona, junto a otro cuadro con su testimonio escrito, y debajo de todo ello una fotografía de aquello que la persona ha nombrado como su impresión subjetiva de la belleza. Ella lo describió así:

He encontrado personas que son ciegas de nacimiento. Que no han visto nunca. Les he preguntado qué es para ellos la imagen de la belleza.

Esta obsesionada por la mirada, tanto la de los otros como la suya. Que miran los otros cuando me miran mirar, además de una necesidad de saber del otro, como lo demuestra en "Suite Vénitienne".

Fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/Sophie_Calle
http://msantfores.blogspot.com/2011/02/2-sophie-calle.html

Cindy Sherman

Nació en 1954 en Glen Ridge, Nueva Jersey (EUA) y estudió arte en la State University College en Buffalo. Su gran trayectoria la ha posicionado como una de las fotógrafas más reconocidas del siglo XX.
Una de sus caracteriza es que usa mucho el auto retrato, pues ella más bien usa su cuerpo como un medio en el que puede plasmar diferentes mensajes, esos autorretratos en blanco y negro muestran a la artista en diferentes situaciones que, formal y materialmente, recuerdan fotos fijas de filmes de los años cincuenta y sesenta. 


Después, Sherman ya sólo hizo fotografías en color.


Las primeras fotos que hicieron famosa a Cindy Sherman de un modo fulminante, a comienzos de los años ochenta, fueron sus “Film Stills”


Para formalizar estas mutaciones se ‘apropió’ –usando disfraces y prótesis- de la secretaria de la bibliotecaria, de la mujer objeto y de la niña inocente. 


Hacia 1983 hizo sus primeras fotos de modas, en las que caricaturizaba el ideal habitual de belleza femenina. A lo largo de su carrera, desde “Fairy Tales”(1985), hasta “Disasters” (desde 1986), Sherman ha ido modificando sus autorretratos cada vez más, las protestas que ya utilizó en History Portraits han llegado a convertirse en protagonistas en “Sex Pictures” (1992).


Del mismo modo que sucederá más tarde en sus “Horror Pictures” (desde 1994), ya en sus obras desaparece completamente el cuerpo de la artista; sólo volverá a aparecer aisladamente in persona en algunas de sus tardías “Mask Pictures” (a partir de 1995). Sherman ha unido el tratamiento de la situación social de la mujer y los aspectos de la historia del cine, en su proyecto más ambicioso hasta la fecha: la película de horror “La asesina de la oficina”(“Office Killer”, 1997).

Fuentes: 
http://www.stylemag-online.net/2011/08/19/cindy-sherman-for-mac-self-portrait-yourself/


http://blog.taxiartmagazine.com/2011/01/cindy-sherman/